Cuando Need for Speed trataba de conducir. Por @TheDDuran

Hace unas dos décadas aproximadamente, el género de carreras cosechaba éxitos tanto en los salones recreativos como en las consolas. Outrun, la trilogía Lotus, Top Gear (ojo, el programa de la BBC no, aunque también es una maravilla, ya que estamos)…la mayoría de las consolas y/o ordenadores importantes del momento tenían su conversión de cada uno de estos juegos, adaptando cada versión a las posibilidades y limitaciones de cada consola u ordenador (aprovecho para que comprobéis el sonido propio de los Commodore Amiga A1200, con capacidad para superar con creces a los PC del momento, así como a la SNES sin ir más lejos).

Una de estas sagas era Test Drive, realizado por Accolade. En estos juegos los jugadores se ponían al volante (literalmente, ya que reproducía con una fidelidad aceptable los interiores de los coches) de los superdeportivos más prestigiosos de la época: Ferrari Testarossa o el F40, Porsche 911, Lotus Esprit, Lamborguini Countach o el Diablo…todo ello acompañado de una física que trataba, en cierta medida, de ser algo más fiel a la realidad: mientras que la saga Outrun o Rad Racer permitía que un Ferrari se lanzase a una horquilla a más de 200km/h derrapando como si fuera un Scalextric, en Test Drive un error por confianza resultaba a lo que sería la realidad: un sonido estrepitoso, la luna delantera hecha añicos y el coche destruido. Con cada nueva entrega, aparecían nuevos coches, nuevos mapas y se trataba de avanzar tecnológicamente, mostrando modelos poligonales en tres dimensiones ya en 1990.

No obstante, a mediados de los noventa y debido tanto a la creciente competencia como al estancamiento de su fórmula, sus siguientes entregas no fueron tan bien aclamadas. Su lugar fue ocupado por un juego desarrollado por el mismo estudio que los primeros Test Drive (Distinctive Software) con ayuda de la revista americana Road & Track (conocida después como Car & Driver): Road & Track presents: The Need for Speed. Esta entrega contaba con lo mejor de Test Drive (varios coches exclusivos, siempre con licencia oficial) así como un motor avanzado para aquél entonces, así como un apartado gráfico que justificaba en gran medida las compras que los padres tuvieron que hacer en la Navidad de 1994. Así empezó esta saga, que continuó su tendencia con su segunda parte antes de reinventarse una vez tras otra en las siguientes entregas.

Para la tercera entrada, Hot Pursuit, el objetivo era derrotar a los rivales al mismo tiempo que se huía de las fuerzas policiales. Ya para entonces contaba con prototipos extremos y coches de carrera en el plantel, así como algunos coches ficticios (comenzando por el coche más veloz de Hot Pursuit, El Niño). Con High Stakes las carreras se enfocaron más en altas velocidades y curvas que continuamente desafiaban al jugador, además del policía de turno que le apeteciera probar la dureza de su coche y el tuyo. El plantel seguía creciendo continuamente con vehículos exóticos, como por ejemplo el Nissan Skyline GT-R R34 (que volvería a aparecer en otras versiones…así como aparecer en un número inusitado de variantes en la saga Gran Turismo).

La siguiente iteración, entrando ya en la era de Electronic Arts, fue Porsche Unleashed/Porsche 2000, un concepto curioso que se centró en los modelos de la casa de Stuttgart a lo largo de la historia, desde los 356 de Ferdinand Porsche (basados en el VW Beetle, también diseñados por él) hasta los 911 de última generación por aquel entonces, los 996. Esta entrega, así como la mayoría de esta época, tuvieron tal recibimiento que incluso años después los usuarios siguieron haciendo mods con coches extra, fueran o no de la marca alemana. Sus dos modos de juego principales eran: 

- Evolution: carrera a través de la historia, donde participabas en carreras y campeonatos con tus propios coches que podías preparar a tu gusto, con alguna modificación estética.

- Factory Driver: Como piloto de pruebas de Porsche, hacías diferentes retos basados en la conducción de diferentes modelos…aunque la mayor parte del tiempo eran retos por algún NPC enfadado o una carrera por los Pirineos al salir del trabajo.

Hasta ahora (es decir, hasta 2002, fecha en la que apareció Hot Pursuit 2), todos destacaban por su manejo que, si bien no se trataba de un simulador, era creíble cuanto menos. Todo eso cambió con el rumbo que en 2003 tomó la saga a partir de Underground y Underground 2: los deportivos extremos pasaron a ser utilitarios y cupés con más luces que la Feria de Sevilla y Jerez juntas y tantas pegatinas como píxeles hubiera en pantalla. Esto no se quedó en el videojuego, sino que fomentó (y, en cierta medida, es que estuvo acompañado) del auge del tuning en aquel momento: raro era ver en Galicia un Peugeot 206 que no pareciera un ovni volando raso y hoy día pocos son los Opel Calibra que conservan sus piezas originales (si las tienen, seguramente es porque vaya a partirse el coche entero en breve). A este cambio estético le acompañó también la forma de presentar el juego: carreras nocturnas con una sensación de velocidad más propia de la saga F-Zero que de coches terrestres.

Con Most Wanted volvieron de las vías del tuning para centrarse más en las persecuciones policiales y en velocidades que se correspondieran con la sensación que se veía en pantalla. La adición de una historia de fondo ayudó a conducir el juego, ya que no se trataba sólo de correr porque sí (bueno, en verdad sí), sino de recuperar la honra perdida. Si parecía que volverían al viejo estilo de las carreras de deportivos exóticos, la aparición de Carbono (con una ambientación muy similar a Fast & Furious: Tokyo Drift, que apareció por esas fechas) y Pro Street (un intento de ambientación en las competiciones de drifting, así como de carreras de turismos) descartaba esa posibilidad. Cabe destacar la dificultad de estos juegos: el jefe final de Carbono, montado en un Audi R8, era fácil de vencer con un Viper – ni de lejos de los coches punteros – prácticamente básico.

Las siguientes entregas –Shift, Undercover, Shift 2, Hot Pursuit (si, otra vez), The Run, Most Wanted (si, otra vez) y Rivals – han tratado de volver a la simulación y a las innovaciones tecnológicas, pero el resultado no es otro que el de hacer que vehículos exclusivos sean tratados de peor manera que como se pueda tratar a un minivan diesel en la vida real. Y lo cierto es que no le hace falta, por suerte o por desgracia. Need for Speed es ahora quien domina el mercado de los juegos de conducción arcade, mientras que los simuladores principales en estos momentos serían Gran Turismo o Forza (mención especial a los menos populares como rFactor o similares), cuyas nuevas entregas cada tres, cuatro o cinco años – Los Need for Speed actuales salen cada año o incluso dos por año – suelen incorporar una serie de avances sin perder la identidad original. En estos años, además, Test Drive ha conseguido resaltar en el mercado con sus dos Unlimited, consistentes en carreras de supercoches de lujo por diferentes escenarios reales como la isla de Oahu o Ibiza.

Pequeñas recomendaciones: The Crazies (2010)

Muy buenas a todos, hoy  traigo The Crazies (2010) como mi pequeña recomendación, la película recalco que es la de 2010 por que se trata del remake de una película de George A. Romero, Los Crazies (1973) ,el director  del que ya hable al principio de los tiempos de este blog, considerado el creador del genero zombie tal como hoy lo conocemos.

Sinopsis:Una misteriosa toxina en el agua convierte a cualquiera que esté expuesto a ella en un asesino sin escrúpulos. Los residentes de un pequeño pueblo agrícola empiezan a sucumbir a un desenfreno incontrolable de violencia y la escalofriante masacre acaba en una sanguinaria anarquía. En un intento por controlar la epidemia, el ejército envía una fuerza de élite a bloquear los accesos a la ciudad, aislando a los pocos ciudadanos no infectados que quedan y dejándolos a merced de los despiadados asesinos que acechan en la oscuridad. (FILMAFFINITY)


Con un guion renovado y manteniendo la esencia de los personajes de Romero, The Crazies, dirigida por Breck Eisner, cumple muy bien como remake y no sigue la regla general de los remake de 'vamos a destrozar lo que ha sido un clásico', durante los 101min. que dura te mantiene en tensión y aunque desde el minuto 1 ya sabes lo que va pasar, tiene un primer acto impecable en el que con muy pocas palabras da mucha información.

Pareja Protagonista

En cuanto a los personajes, como viene siendo habitual en esta clase de películas no tiene grandes caras conocidas pero que cumplen perfectamente, destacar a Timothy Olyphant como la cara mas conocida,que interpreta al sheriff  -quizás alguno lo reconozca como el malo de John Mclane en la Jungla 4.0- en el apartado femenino en el papel de la doctora y mujer del sheriff, se encuentra Radha Mitchell, para mi una perfecta desconocida que cumple perfectamente y que protagoniza una de las mejores escenas en una especie de 'refugio'.

Respecto a los personajes secundarios creo que solo merece la pena destacar al ayudante del sheriff, al que da vida Joe Anderson -lo pudimos ver en Infierno Blanco (2011)-, el fiel escudero del sheriff y aunque por momentos vemos como puede ser un antagonista y eso puede despistar al espectador finalmente es uno de los pilares principales a la hora de la supervivencia.

La película por momentos puede recordar a una de Resident Evil viendo como el ejercito intenta para la pandemia y como los comandos al puro estilo Umbrella Corporation registran el pueblo en busca de infectados, respecto a la original esta película no muestra un punto de vista desde el ejercito lo que es desde mi punto de vista es un acierto ya que da mas fluidez y muestra al ejercito como un 'invasor' sin apenas poder 'humanizar' a los soldados.

El ultimo punto a destacar es la perfecta banda sonora que te sumerge todavía mas en esa atmósfera de tensión, y en escenas como la del túnel de lavado hacen que tu sientas la misma claustrofobia que los personajes.






Para terminar toca hablar de dinero, costo unos 20 millones de dolares  -un pequeña producción en lo que es USA- y entre la taquilla extranjera y lo recaudado en el territorio nacional llego a recaudar cerca de 40 millones de dolares.

Hasta aquí la entrada de hoy, una pequeña recomendación personal que sinceramente encantara a cualquier seguidor del genero zombie y seguidor de George A. Romero y servirá de entretenimiento a cualquier persona que busca una pelicula sencilla para un domingo por la tarde.


Namaste

Crónica sobre el Salón Manga de Jerez 2014. Por @muxamarxapaula.

Este año se ha celebrado la quinceava edición del salón manga de Jerez, un evento que todos los años atrae muchísimo público, entre 35.000 y 38.000 personas durante el fin de semana.

Ya, y desde hace tiempo, se ha convertido en punto de encuentro obligatorio entre todos los fans del anime, manga, videojuegos y cosplay; siendo este último uno de los fuertes del evento. Este año el evento ofrecía como novedades una pasarela permanente de cosplay, ofrecida por nosolocosplay, la cual fue un éxito rotundo el cual esperamos que repitan en otras ediciones; la presencia de 6 de los dobladores de la mítica serie Dragon Ball, y una ampliación de la zona retro, de recreativas, que ha pasado a ocupar un lado completo de la nave IFECA. 

A primera hora de la mañana las colas para comprar entradas ya eran de más de 3 horas de espera, aun habiendo estado disponibles las entradas online; pero la recogida de estas también estaban condicionadas a pasar por taquilla, así que la medida virtual no ayudó a relajar el flujo de gente.

Una vez dentro encontramos una distribución similar a otros años. Las tiendas ocupaban uno de los cuatro lados que forma la nave, otro fue destinado íntegramente a videojuegos y recreativas, donde pudimos probar ps4, wii u, y muchos torneos como de Marvel vs Capcom, Just Dance o Injustice Gods Among Us Ultimate Edition. La zona de restauración ofrecía desde comida asiática como Tokiyaki o ramen, hasta pizza y hamburguesas. Esta zona quedó muy saturada alrededor de las dos de la tarde, hubo personas que decidieron salir para comer fuera del recinto, pero se encontraron con que había cola para salir, de al menos una hora de espera; pues sólo había una puerta habilitada para salir, creándose en menos de 10 minutos un tapón que abarcaba la entrada, del IFECA y de la propia nave; los guardias de seguridad nos contaron que ellos no podían abrir otra puerta, pues eso era labor de la organización del evento; así que permanecieron impotentes ante la marea humana.

Los dobladores de Dragon Ball ofrecieron una sesión de firmas, la cual fue todo un éxito y estuvo a tope en todo momento. Posteriormente se realizó una charla en el auditorio, cuya cola antes de empezar, para conseguir sitio, llegaba fuera de la sala; buena señal pues completaron el aforo.

Este año hemos visto gran variedad de cosplays, aunque ha habido pocos respecto a otros años. Pero gracias a la pasarela de nosolocosplay hemos podido apreciarlos mucho mejor; todos aquellos cosplayers que lo desearan podían lucirse sobre la pasarela, que permaneció abierta todo el día, con buena música ambiental y ofreciendo a los fotógrafos un genial punto de vista. Desde aquí nos gustaría señalar un cosplay que nos encantó. Es el de Indiana Jones y su padre, el cual como podéis ver, ¡lo ha clavado!

El concurso de cosplay tuvo gran polémica cuando a menos de un mes del evento se publicaron las bases, donde se vetaba la participación de menores, series de animación no japonesa, y “fanarts” (aunque esto último nunca se ha podido utilizar en concurso). Aun así transcurrió sin incidentes, y con gran audiencia. Al mismo tiempo se desarrolló en el segundo escenario el concurso de k-pop, lo cual obligó a más de un visitante a elegir entre qué concurso ver; pero el baile coreano también gozó de gran público. Por la espléndida idea de poner una tela negra como fondo del escenario, no solo hubo gente que al bailar parecían cabezas y manos flotantes sino que una chica acabó cayéndose por detrás de la tarima y hubo que llamar a la ambulancia.

También nombrar la exposición de Star Wars y sus coreografía de batalla, geniales. Es algo que a todo el mundo gusta, queda muy vistoso, y los chicos que lo organizan hacen un gran trabajo con ello. Una segunda exposición fue la permanente de cosplay, organizada por Nosolocosplay; situada al lado de la pasarela no lucía demasiado, pero ayudaba a proteger los trajes de agresiones externas.

Aun así, y con todo lo anteriormente dicho, siempre merece la pena asistir a este evento; pues si sois frecuentes en los salones manga, sabréis que son una gran excusa para volver a ver a los amigos y conocidos que se hacen, para disfrutar de los cosplays, de la gran armonía de tantísima gente unida por la afición al manganime, videojuegos y frikismo en general. Pues debéis ser conscientes que en ningún otro contexto es posible que se unan casi 40.000 personas en un mismo espacio y que nunca haya problemas; porque no los hay, no hay peleas, no hay violencia de ningún tipo y bien que aguantamos colas kilométricas para comer, beber o ir al baño; altos precios en las tiendas y restaurantes, y cosplays que nos dan calor, frío, se nos clava o no nos deja ver. Formamos parte de una sociedad, una tribu urbana gigantésca que no tiene nada que envidiarle a cualquier otra, y que debería ser imitada en este sentido, del respeto mutuo. No olvidéis quien sois, qué es lo que os gusta y no dudéis en luchar por ello.

Se despide, una servidora:

Paula Muxamarxa

¿Dónde estan los protagonistas de Lost? (II). Por @TakerVazquez.

Muy buenas a todos,  si la semana os contaba que les había sucedido a 5 de los habitantes de ‘La isla’, de nuevo os presento el recorrido profesional de otros 5 actores de la serie, para los que no han leído la anterior les recomiendo aplicarse uno de los recursos más utilizados por Lost y hacer un flashforward.

En la anterior entrada hable de la mayoría de los ‘supervivientes’ principales de la primera temporada y del personaje que elevo el nivel de la serie y dio más de un giro a la trama argumental. Sin más dilación vamos como el primero de los supervivientes:

Evangeline Lilly

La primer de las supervivientes de hoy es la chica dura de la isla, se trata de Kate Austen, al que da vida Evangeline Lilly y tras perdidos apenas ha trabajado pero que ha hecho ha sido con grandes nombre empezando por un blockbuster veraniego con lo Hugh Jackman  en Acero Puro (2011) y dos años después Peter Jackson llamo a su puerta para que participara en la segunda parte de la trilogía del Hobbit (2012).

Terry O'Quinn

El segundo de los supervivientes es quizás el ‘Last Survivor’ de la isla y que poco a poco se convirtió en el ‘otro’ líder, se trata de John Locke, al que da vida Terry o’Quinn que tras abandonar la isla encabezo la frustrada 666 Park Aveneu  (2012) que fue cancelada ya en su primera temporada, poco después apareció en Falling Skies y Hawaii 5.0 con papeles menores y recientemente estreno Gang Related.

Daniel Dae Kim

Hay alguno que aun después de terminar Perdidos no han abandonado Hawaii, es el caso de Kim Know al que da vida Daniel Dae Kim y que tras terminar su participación en perdidos (salio de la serie tras incumplir el contrato) reengancho con el procedimental de la CBS, Hawaii 5.0 .

Naveen Andrews

El toque exótico y pasado oscuro llegaba de la mano del ex-militar Sayid Harrah al que dio vida el ingles de origen indio, Naveen Andrews, tras perdidos  y en la actualidad sigue muy encasillado en su personaje de árabe, lo pudimos ver en la fallida Once upon a time in wonderland, en la serie Sinbad y haciendo de amante de Diana de Gales en la película Diana (2013).

Dominic Monaghan

El ultimo puede que sea el personaje con el que mas pude empatizar y no es otro que el ‘fragil’ Charlie Peace, drogadicto y cantante famoso (gran tema el de ‘You all, everybody’), fue interpretado por Dominic Monaghan conocido anteriormente por interpretar a Merry en la trilogía del Señor de los Anillos y que poco después de acabar perdidos participo en la ‘hypeada’ y desaprovechada Flashforward, actualmente tiene un par de proyectos a punto de salir a la luz.

Hasta aquí la entrada de hoy, para la semana tercera y última entrada sobre los personajes de Perdidos, nos vemos en la próxima entrada.

Namaste

Cuando el sexo era seguro y las carreras eran peligrosas: Le Mans (1971). Por @TheDDuran.

‘Steve Mcqueen te lleva de viaje por el país. El país es Francia. ¡El viaje es a 330km/h!’ reza el póster o folleto oficial de aquél cruce entre carrera de resistencia, documental y película que Steve Mcqueen protagonizara a principios de los setenta con Le Mans. 

De antemano, es necesario avisar al público que si no le gusta el mundo del automóvil, la película puede llegar a aburrirle en varios sentidos. No estamos ante un Ciudadano Kane o algo por el estilo. Se trata de cien minutos de carrera pura y dura con algo de trama de por medio, con algunas (buenas) canciones de por medio. Pero las pistas de música principales son dos: Ferrari y Porsche, ambos motores V12 de cinco mil centímetros cúbicos.

Le Mans es exactamente lo que promete: una reproducción verdaderamente fidedigna de las 24 Horas de Le Mans de 1970 llevada a los cines. Desde el principio la atmósfera va a estar presente, no así el diálogo (Mcqueen no abre la boca hasta pasada la media hora, minuto arriba o abajo), pues no se considera tan necesario, ya que no son solamente las personas las que cuentan la historia. También desde muy temprano y con simples movimientos de cámara se muestra la realidad de los espectadores y mecánicos en el mundo del automovilismo en 1970, para poco después pasar a la acción, que rara vez se detendrá hasta el final de la película.

La trama, en definitiva, es simple: la rivalidad, que no enemistad, entre Michael Delaney (Mcqueen) y Eric Stahler (Siegfried Rauch), entre el equipo Gulf Porsche de John Wyer y la Scuderia Ferrari, entre los Porsche 917K y los Ferrari 512S Coda Lunga. Por otro lado está la relación entre Delaney y Lisa, la ex mujer de un piloto que falleció en un accidente previo a la película donde el protagonista estuvo involucrado. Todo, como es suponer, se resuelve en la pista, y es ahí donde realiza unos cuantos giros (metafóricamente hablando) a la trama con el fin de presentar variación.

El sonido, como ya se ha comentado, suele ir a cargo de los motores V12 de los Ferrari y Porsche, aunque tiene una banda sonora propia, como es lógico. De hecho, destacan dos canciones: la que suena tanto al inicio como al final de la película como la que arranca con el latir de los corazones y los motores al principio de la carrera y acompaña durante las primeras vueltas a los trece kilómetros y medio del circuito de La Sarthe.

Para concebir este filme, el esfuerzo fue casi absurdo: fue necesario grabar durante todo un verano con los coches a máxima velocidad, el piloto David Piper perdió un pie en un accidente grabando (muchos pilotos de resistencia y Fórmula 1 de por entonces colaboraron en este proyecto) y los Ferrari 512S hubo que comprarlos de manos privadas, además de necesitar varios directores, pues el director original se marchó del proyectó al ver que Mcqueen interfirió en casi todo lo que pudo interferir (incluido tratar de hacer todas las escenas posibles, ya que era un fanático de los coches…que había sido segundo poco antes en las 12 Horas de Sebring frente a Mario Andretti).

Pese a ello, la película recibió bastantes críticas y no fue precisamente de las más laureadas de Mcqueen, pese a ese ambiente realista y que supo mantener a lo largo de la película (idea propia del filme posmoderno). Aún así, dentro del mundo del automovilismo permanece hoy día como un largometraje mítico, junto a Grand Prix, ambientada en la temporada de 1966 de Fórmula 1. Se intentó hacer una readaptación actual en 2003 (titulada 24 horas al límite) con el personaje de Michel Vaillant, no obstante acabó siendo bastante inferior en casi cada aspecto.

Recreación del fotógrafo Steffen Jahn

¿Dónde están los protagonistas de Lost? Por @TakerVazquez

Muy buenas a todos, de nuevo en mi blog toca hablar de Lost, fue la primera serie que comentaba allá por Enero del año pasado y poco después hable del significado de los famosos números, pues hoy os contare que fue de los pasajeros de ese vuelo Oceanic 815 en el año en que se cumplen 10 años del episodio piloto.

Perdidos fue LA SERIE que sin duda ha marcado mi crecimiento como ‘seriefilo’ y puede decirse que fue la serie que termino de engancharme a la pequeña pantalla, una pantalla que cada vez se agranda más y hace que incluso grandes actores quieran protagonizar sus propias series,  es el caso del veterano Kevin Spacey (House of Cards) o la ‘hypeada’ True Detective que en su primera temporada contó con dos actores de primera fila como son Woody harrelson y el 'oscarizado' Mathew Mcconaughey.

Pero volviendo al tema, nuestros pasajeros tuvieron distinta 'suerte' tras abandonar ‘La Isla', algunos dieron el paso al cine y otros consiguieron afianzarse en otras series de éxito. pero alguno que otro siguió perdido con sus nuevos proyectos y todavía no ha logrado volver al éxito que le dio esta serie.

Matthew Fox

El primer que me gustaría repasar es el ‘lider’ de los supervivientes, no es otro que Jack Shepard al que dio vida Matthew Fox y que tras Perdidos desapareció del mapa sin apenas trabajar, hace poco volvió haciendo de asesino en ‘En la mente del asesino’, protagonizo ‘En el punto de mira’ y actualmente está rodando ‘Welcome to harmony’ una película del español, Miguel Angel Vivas.

Michael Emerson

Siguiendo con los líderes de la isla el siguiente es Benjamin Linus, el conocido líder de ‘Los Otros’ encarnado por Michael Emerson, tras ser uno de los personajes más caóticos de Lost consiguió un papel principal en la serie 'Person of interest‘ que actualmente está emitiendo su 4 temporada.

Jorge García

Uno de los personajes más simpáticos de la isla fue el de Hugo Reyes, interpretado por Jorge García. Tras abandonar la isla tuvo un papel en la española ‘Maktub’, más tarde junto al ‘padre’ de Lost, J.J. Abrams, protagonizo la efímera y castigada ‘Alcatraz’, tras ese fracaso ha pasado por una importante cantidad de series siendo un  personaje episódico, lo pudimos ver en: Hawaii5.0, Como conocí a vuestra madre, Californication, Erase una vez o Fringe.

Josh Holloway

En lo que a galanes la serie ha estado más que servida y uno de los primeros en destacar fue Sawyer, el antagonista mediático de Jack en la primera temporada, fue interpretado por Josh Holloway y tras perdidos  tuvo unos pocos papeles secundarios en cine en películas como: ‘Misión imposible IV:Protocolo fantasma’  y ‘El poder del dinero’ y esta temporada comenzó como protagonista de la serie de Sci-fi ‘Intelligence’ y  pronto lo veremos en la gran pantalla con el veterano Arnold Schwarzenegger en Sabotage.

Yunjin Kim

Y para terminar esta primera tanda de personajes, Sun Know, el primer personaje femenino que presentare, interpretado por Yunjin Kim, da vida a una mujer Coreana con un oscuro pasado amoroso. Tras perdidos pudimos verla en producciones coreanas como ‘Harmony’ o ‘The neighbors’ y hace tan solo una temporada volvió a TV con la serie ‘Infieles’ de la ABC siendo una de las protagonistas (Acaba de terminar su 2 temporada).

Bueno y hasta aquí los 5 personajes de Lost y lo que ha sucedido tras su marcha de la isla, para la semana presentare otros 5 personajes, si te ha gustado la entrada no dudes en compartirla y comentarla. Nos vemos en la próxima entrada.

Namaste.

Series para comer: Hawaii 5-0 (Por @TakerVazquez)

Muy buenas a todos, otra semana más estoy aquí para hablaros de una serie y en este caso para presentaros una nueva sección dentro de mi blog que la denominare ‘Series para comer’ en la que incluiré esas series que sea el día que sea vienen bien para ver a la hora de comer.

Os presento Hawaii 5-0 (2010) el remake de la mítica serie de los 70 que bajo el mismo nombre marcó una época en los procedimentales convirtiéndose en una de las series más longevas de la televisión, con 284 capítulos divididos en 12 temporadas, tratando temas de la época como la Guerra Fría.

El remake de 2010 fue creado Leonard Freeman, el mismo creador que la original, producida para la CBS, actualmente sigue en antena con su 4 temporada con unos datos de audiencia más que decentes en USA, en cambio aquí en España como muchas de las series que cruzan el charco ha sido ‘maltratada’, emitida por Cuatro, ha pasado del Prime Time a la ‘mediocridad’ de la sobremesa.

Sinopsis: En esta nueva versión seguimos al detective Steve McGarrett (Alex O’Loughlin), un ex-oficial de la marina convertido en policía, que llega a Oahu para investigar el asesinato de su padre y es convencido a quedarse en Hawaii al liderar su propio equipo especial. Junto a McGarrett encontramos al detective Danny “Danno” Williams (Scott Caan), un ex-policía de New Jersey que prefiere la ciudad pero está decidido a mantener la seguridad en la isla por su pequeña hija; y a Chin Ho Kelly (Daniel Dae Kim), un ex-detective de Honolulu acusado erróneamente de corrupción. El ultimo miembro del equipo es la prima de Chin, Kono (Grace Park), una bella local, recién salida de la academia y deseosa de establecerse en el equipo de elite. (FILMAFFINITY)

Pero más allá de los datos de audiencia y técnicos, yo he venido aquí a explicaros porque Hawaii 5-0 es la serie perfecta para poner a la hora de comer, en primer lugar como cualquier procedimental del estilo (CSI, Navy…) tiene tramas auto-conclusivas en cada capítulo, lo que ayuda a engancharse fácilmente a cada episodio y su duración de 40 min colabora a ello.

Elenco principal de Hawaii 5-0 (2010)

Los personajes son ‘clavados’ a la original aunque ‘evoluciona’ introduciendo el personaje femenino de Kono, como es de esperar la serie tienen unos roles muy marcados y estereotipados, dentro de toda la acción que tiene la serie existe una relación de amor-odio entre McGarrett y Danno en la primera temporada que poco a poco sufrirán una evolución tanto a nivel de personajes como de ‘pareja profesional’ hasta ofrecer los momentos más cómicos y divertidos de cada capítulo.

Para terminar de convenceros de ver esta serie, tendría que destacar que al ser una serie ‘made in USA’ en lo que a presupuesto y espectacularidad no hay quien le gane, nos presenta situaciones cargadas de efectos especiales dentro de los parajes del paradisíaco archipiélago de Hawaii, sin duda un sitio bonito para ver a la hora de comer.

La figura de la mujer en el videojuego. Por @TheDDuran.

Tanto antes como después del auge de los videojuegos en la cultura de nuestra sociedad actual, las chicas han estado presentes en mayor o menor medida en el mundo del videojuego, incluso adentrándose en el relativamente desconocido terreno (al menos en España) del videojuego competitivo o e-Sport. Ahora bien, ¿cómo viven su pasión pensada y poblada de manera mayoritaria por hombres?

Desgraciadamente, y relacionado con el estado en que se encuentra la concepción cultural actual, a menudo sufren episodios de machismo. Esto a menudo se traduce en alguno de los siguientes casos:

- A menudo su nivel o habilidad se ven subestimadas por su condición de género, de manera que suele ser el objetivo del resto de jugadores. Asimismo, cuando son derrotadas tienden a recibir mofas mayores de lo normal, mientras que en caso de ganar contra un hombre, éste a menudo tiende a tomar la derrota con menor deportividad, incluso llegando a no aceptar la derrota.

- Existe lo que se conoce como un caso de machismo invertido, rebajar el nivel de juego para que la jugadora tenga alguna posibilidad de victoria sólo por el hecho de ser mujer. Esta práctica es muy común, realizándose a menudo de manera inconsciente.

- También se considera que las chicas que juegan a videojuegos a menudo lo hacen por sentirse populares, hacer que sean el centro de atención. Esto, además de ser prejuicioso, también se puede aplicar de la misma manera a varones.

También se les suele decir a las jugadoras que si quieren ganarse el respeto de una comunidad de videojuegos, han de demostrarlo con un buen nivel o habilidad. Esta idea es errónea, pues hay quien sin tener un nivel destacado, destaca como persona dentro de esa comunidad, lo que indica que es importante también el trato interpersonal, como es lógico suponer. 

Lo que a menudo piden es que se las reconozca como personas y jugadoras antes que por su género, en definitiva. Durante años, sólo en torno al veinte por ciento de las jugadoras, según un estudio publicado recientemente, se sienten a gusto sin ningún tipo de comentarios sexistas en su entorno. Otro tanto por ciento se sienten molestas o incluso ha tenido al menos algún episodio de acoso sexual (con la consecuente discriminación en la comunidad determinada en la que se encontrase) y otro veinte por ciento ha llegado a dejar de jugar de manera temporal o incluso indefinida a videojuegos debido a esta situación, por el malestar e incluso soledad que llegaba a causarle esta situación. Un término muy utilizado en la jerga, sobre todo en inglés, es “rape” (violación), una idea que para muchas mujeres resulta bastante ofensiva, lógicamente. Sobre todo si tenemos en cuenta que ya varias jugadoras han sido víctimas de abusos sexuales.

Otro prejuicio que se suele tener es el de la chica que está en una comunidad de una afición dominada por chicos y establece relaciones con varios miembros de la comunidad con el paso del tiempo, quedando con la idea de chica fácil (no sería correcto ceñirse sólo a comunidades de videojuegos ya que se puede observar, sin ir más lejos, en concentraciones de coches tuneados). A veces, con ese pretexto, es la chica la que acaba siendo apartada y excluida de dicha comunidad, y ya se han dado casos en los que ha ocurrido de manera injusta.

Por último, aunque quizás más anecdótico, es que se le atribuyan unos personajes determinados. Un personaje popular en Super Smash Bros. Melee (quizás más bien impopular en algunos casos) es Peach, cuyo jugador estereotipado es, además de mujeres, un homosexual o persona afeminada/de raza blanca con sobrepeso (este estereotipo medio en broma es conocido como la Teoría de Ken…y curiosamente no se aleja en gran medida de la realidad). Cuando una mujer cambia de personaje a, digamos, Ice Climbers, siguen diciendo que es un personaje de chicas. Cambian a, por ejemplo, Sheik, y la reacción es la misma. Como dato a destacar, Peach era el personaje utilizado por Armada, jugador sueco que ganó en cada torneo internacional/mundial durante más de un año hasta su retirada a finales del año pasado, los Ice Climbers tienen bastante complejidad técnica y Sheik, además de ser de los mejores personajes del juego, es muy frecuente en los torneos incluso con jugadores de fama mundial como Mew2King.

Lo que se pretende transmitir con todo esto no es sólo denunciar la situación incómoda que algunas jugadoras sufren en sus vidas y modificar las actitudes de los jugadores, sino también la de las mismas jugadoras, ya que ninguna limitación les impide ser inferior a los hombres, por encima de su condición de género. De hecho, a menudo tienen lo necesario para afrontar desafíos más propios de hombres, existiendo jugadoras profesionales de StarCraft 2 en Corea del Sur, sabiendo el nivel que se tiene allí y la popularidad que tiene dicho juego. Volviendo al ejemplo de Melee, una de las peticiones que estas jugadoras mandaban era la siguiente, refiriéndose a Ganondorf (semiclon de Captain Falcon, dos de los personajes más queridos por el público por su estilo de juego).

“¿Puede alguien, por favor, convencer a la comunidad para que los Ganondorf vs Ganondorf en Melee o Project M sean un evento secundario en torneos?”

El cambio no es sólo el texto. Artículo de @TheDDuran

El cambio no es sólo el texto: Censura y adaptación al traer juegos de oriente a occidente.

Todo el mundo no es igual, no todas las regiones comparten la misma cultura y, por tanto, no entienden los distintos elementos culturales de la misma manera. Hasta aquí todo bien, y a la hora de producir un videojuego (y, por tanto, crear un pequeño metaverso) se toma eso en cuenta, así como a la hora de traducir un juego, dado que al traer a un juego desde Japón a occidente a menudo los cambios no son simplemente en la traducción, sino que el mismo juego se somete a un proceso de adaptación a las distintas audiencias a las que se destina. Ahora bien, las distintas políticas y mentalidades entre unos países u otros pueden dar lugar a cambios un tanto curiosos, cuanto menos.

Un ejemplo de esto podría ser el clásico de NES Ice Climbers. En la versión japonesa (titulada “Ice Climber”, en singular), los jugadores tenían como enemigo básico del juego a unas pequeñas focas, llamadas Topis, que podían ser eliminadas tanto a martillazos como saltando justo debajo. No obstante, al llevarlo a occidente, las focas desaparecieron, convirtiéndose en pequeños yetis del mismo tamaño. Este cambio estuvo muy influenciado por la violenta caza de focas en los polos, tema que ha dado cierta controversia durante varios años, por lo que haber dejado que personas de todas las edades diesen jarabe de palo a unas pequeñas focas azules pudo haber sido peligroso. Este cambio se ilustró en la versión NTSC de Super Smash Bros. Melee, para Gamecube, donde cambiando el idioma de inglés a japonés hace que, en el nivel dedicado a los Ice Climbers, cambie también la apariencia de los Topi.

Sin duda, una de las épocas donde más cambios se dieron en este terreno es a principios de los noventa con algunos RPG, debido tanto a la diferencia notable de la concepción del sexo y la violencia entre la sociedad occidental y la oriental. La saga Final Fantasy se vio un tanto afectada por estas diferencias, reflejándose en los diferentes cambios en FFIV: casi todos los enemigos tienen los nombres cambiados, las alusiones religiosas se llevaron al mínimo (cambiando el nombre de la magia sagrada, casi toda referencia sexual fue eliminada (incluyendo la eliminación de una sala donde aparecían los programadores del juego…y una revista erótica) y toda referencia al alcohol y a asesinatos a personas fueron obviadas. 

La mayoría de estos cambios serían constantes a lo largo de toda esta época, haciendo que algunos diálogos perdiesen sentido o partes de la trama se dejasen de entender, incluso llegando a cambiar por completo algunas situaciones (como el mítico “You spoony bard!” de Tellah). En FFIV, sin ir más lejos, originalmente se da a entender de manera directa que Cecil y Rosa son una pareja, idea que se obvia en la versión americana. Tanto es así que en una escena originalmente llegan a besarse, momento que se cambió por un abrazo en la traducción.

En Final Fantasy VI ocurren cambios similares: la magia Sacro/Sanctus pasa a ser Perla, los pubs o bares se convierten en cafeterías y un buen número de sprites de enemigos son “tapados”, concretamente todos los enemigos o Espers (invocaciones) cuya forma fueran mujeres ligeras de ropa: Chadarnook, Sirena, Diosa (curioso que dejasen ese nombre, a pesar de toda la preocupación por no mencionar nada religioso) y parte de la batalla final fueron cambiados, teniendo más ropa o en el caso de Chadarnook más niebla alrededor. Estos sprites fueron revertidos a su versión original al llevar el juego años después a la PSX…y nuevamente censurados (aunque en menor medida) en la versión de Game Boy Advance, pues se pretendía que todos los FF llevados a la portátil de Nintendo fuesen para todos los públicos. Para ello, una escena de tortura se elimina completamente del juego.

Otro juego de esta época que se vio notoriamente afectado por temas de censura fue Earthbound, conocido en Japón como Mother 2. Referencias a Superman, el KKK, los Blues Brothers, Coca Cola, el teatro Apollo y Star Wars fueron modificadas para evitar cualquier tipo de demandas (aunque sí que se mantuvo una mención a los Beatles). Asimismo, se modificaron sonidos que aludieran a violencia doméstica, se evita toda posible referencia a las drogas, de nuevo los bares pasan a ser cafés y los hospitales pierden la cruz característica (evitando de este modo una posible referencia a Cruz Roja)...entre otros pequeños cambios más sutiles, aunque cabe mencionar que esta traducción/adaptación tuvo mucha mayor atención que las mencionadas anteriormente. También se modificó una parte del juego en la que Ness, el protagonista, pasa de ir en esta sección al desnudo a ir en pijama.

Con el tiempo, se ha conseguido tanto una manera más sutil de evitar estos conflictos como, debido al progresivo cambio de la sociedad, una suavización de todos estos temas. Por ejemplo, en Final Fantasy IX varios personajes exclaman “por Dios”, en mayúsculas, y el tema del alcohol se observa de una manera mucho más natural que en la versión original de FFIV (curiosamente, en su remake de FFIV, todos estos detalles los torean con mucha más gracia, dejando clara la presencia de alcohol sin mencionarla ni que aparezca de manera flagrante). Otro aspecto a tener en cuenta el carácter mundial que ha pasado a tener la industria del videojuego, pues ahora no es tan común que un juego se destine solamente a determinadas audiencias (es decir, Japón/Asia), por lo que la limitación de los guionistas y desarrolladores, tanto por cuestiones tecnológicas como por otras cuestiones, se ha reducido de manera considerable.

Preestreno de Blockbuster en Oleiros por @TakerVazquez

Muy buenas a todos, hoy para cambiar un poco os traigo un película, pero una película un tanto especial porque fue rodada parte de ella en mi tierra, Oleiros, y gracias a ello pudimos disfrutar de un preestreno en ‘Centro cultural la Fabrica’ en Perillo de Blockbuster (2013) un película de Tirso Calero que sirve de homenaje a esos actores veteranos que todavía quieren actuar.

Pero antes de abordar la película me gustaría hablar del acto, empezaba a las 8.30 y con una puntualidad inglesa comenzó con la presentación por parte del concejal de cultura, Esther Garrido, del joven director de la película, Tirso Calero, director de éxitos televisivos cómo Amar es para siempre (114 episodios,desde 2008 a 2010), de la precuela de Gran Reserva, Gran Reserva , el origen (2013) y de la serie de Atresmedia Bandolera (2011-2013).

Tirso Calero (Director)

En el acto alrededor de 200 personas con ganas de ver nuestro bonito Oleiros, entre los asistentes se encontraban actores locales que participaron en la película, pude distinguir a Santiago Romay, autoridades políticas como el alcalde y algún concejal y el productor de la película, Óscar del Caz, que muy amable dedico unos minutos para un par de preguntas. 

Y tras esos 5 minutos de presentación comenzaban 104min de homenaje en blanco y negro a toda una generación de actores.

Sinopsis: Un actor veterano contempla el fin de sus días de gloria. Fue un gran intérprete de cine, televisión y teatro, pero ya apenas trabaja. Ahora sólo quedan los homenajes en festivales de medio pelo. Unos galardones que, además, parecen presagiar la inminencia de la muerte. Sin embargo, en este negro panorama, surge una luz en forma de joven director que pretende sacar adelante un proyecto de ciencia-ficción. A través de su amistad con el realizador volverá a recuperar la ilusión. (FILMAFFINITY)

Tras ver esta sinopsis no quiero destripar la película y lo primero que quiero decir es que la película me ha gustado y después de hablar y saber algunos datos de como se produjo todavía me parece mejor, apenas 4 semanas para rodar en dos lugares separados mas de 1000km y con un equipo técnico de 35 personas (sin contar con los actores). 

Hablando de las localizaciones, me gustaría destacar como se transformaron varios lugares bastante conocidos de Oleiros en cosas completamente distintas, por ejemplo la escuela de Danza se convirtió en un Hospital mientras que la biblioteca de Las Torres de Santa Cruz sirvió de residencia de la 3 edad, también se puede distinguir la playa de Bastiagueiro, un nave abandonada de la N-VI, acantilados del Seixo Branco o el parque de la capela de Motrove.

Buen ambiente en La Fábrica.

Pero sin duda lo que mas me ha sorprendido fue la actuación por parte de uno de los actores mas jóvenes del reparto co-protagonista y conocido actor de series de mi adolescencia, se trata de Adam Jezierski que tras interpretar una y otra vez al macarra de turno en esta película da vida a un joven amante que tiene el sueño de rodar una película, para mi tras ver las mayoría de sus interpretaciones puedo decir que es su mejor interpretación siendo un joven vergonzoso e introvertido con las mujeres junto el veterano reparto de la película encabezado por Manuel Zarzo y Jesús Guzmán hacen que el apartado artístico se luzca utilizando lo para algunos es un humor desfasado pero que a mi me ha encantado.

También tiene detalles como cambiar de B/N a color cuando se está grabando dentro de la propia película y tiene diálogos de lo más gracioso aunque también le comente, desde mi punto de vista, al director que ‘abusa’ de un tipo de plano muy característico de ver una escena atreves de un espejo que hace que se hagan monótonas algunas. 

En conclusión Blockbuster de Tirso Calero es una película humilde en homenaje a toda una generación de actores, para mí ha sido el primer preestreno y espero que no el último de una película y desde aquí me gustaría dar las gracias al productor y al director que me dedicaran unos minutos. Y tan solo me queda deciros que el 6 de Junio vayáis a ver el estreno en cines de este largometraje.

Tirso Calero y Esther Garrido.

Nos vemos en la próxima entrada y quiero despedirme con una frase muy familiar que le dice el personaje de Adam a su madre: ’’No mama no me convertido en bohemio’’ 

Namaste.

Mom por Daniel Vazquez Ambroa

Muy buenas a todos, la semana pasada os presente una serie que pensaba que sobreviviría aunque solo fuera por el nombre que es Michael J. Fox, pero los de la ABC me ha chapado la boca y han cancelado The Michael J. Fox Show, pero de nuevo arriesgo y os traigo un review de otra sitcom de la nueva temporada.

Pero como soy 'masoka' fui tan listo de empezar otra sitcom, en este caso cegado por el nombre de Chuck Lorre (Creador de mi querida Big Bang) que en colaboración con Eddie Gorodetsky han creado para la CBS, Mom, una serie protagonizada por Anna Faris.

Sinopsis: Mom, cuenta la historia de una madre soltera, ex-alcohólica y algo inestable que trata de poner orden a su caótica vida.

Apenas he visto 4 de los 20 capítulos de los que se compone la 1 temporada pero sinceramente me han llegado para darme cuenta de que no voy a seguir viéndola, una de las razones es el sencillo odio hacia el personaje de Anna Faris (Christy), su comportamiento es exagerado y como actriz tampoco es que sea una maravilla porque llega a odiarla en sus papeles de la saga Scary Movie (4 de las entregas).

En cambio los personajes de sus dos hijos si me gustan e incluso me hacen gracia, la hija mayor violet, interpretada por una guapa actriz joven que realiza su primer papel principal en una serie, Sadie Calvano. El otro hijo de Christy es el ingenuo pero simpático, Roscoe al que da vida el joven Blake Garret Rosenthal que pudimos ver fugazmente en un puñado de episodios de la primera temporada de New Girl.

Pero siguiendo con los personajes de la serie, aparece la figura de la abuela materna que como su hija es ex-alcohólica y sin duda una autentica 'vieja verde'(Bonnie) interpretada por Allinson Janney, tanto madre como hija son odiables. Para terminar la figura del 'jefe amante' al que da vida Nate Corddry que bueno cumple pero tampoco aporta mucho.

Reparto principal

En conclusión para mi Mom es una serie que no engancha ni acaba de tener gracia, unido al odio de sus 'risas enlatadas' hace que directamente la abandone, parece que esta vez Chuck Lorre no me ha convencido.

Hasta aquí la entrada de hoy, puedes dejar tu opinión en los comentarios, darle a me gusta a la página de facebook y compartir el blog con todo el mundo, nos vemos en la próxima entrada.

Namaste.

Entrada de Daniel (@TakerVazquez). Si os gustan sus entradas, podéis acudir a su blog.

Final Fantasy, ¿remakes verdaderamente necesarios? Por David Duran Centeno (@TheDDuran)

En estos últimos tiempos hemos podido ver cómo los títulos que Square-Enix ha sacado al mercado, más que continuar con su saga estandarte, ha optado por hacer remakes de algunos de sus títulos de la década de los noventa, cuando la compañía aún era Squaresoft y disfrutaba de la edad de oro del género de rol (época de la que salieron la gran mayoría de sus mejores creaciones). Así pues, en un corto espacio de tiempo hemos tenido remakes de Final Fantasy V, VI. VII y VIII, siendo V y VI para dispositivos Android y VII y VIII disponibles desde la tienda Steam. Además responde a las peticiones que tantos fans han realizado durante tantos años, la de revivir estas obras de arte.

A nivel general, los cambios más significativos son gráficos: V añade nuevas ilustraciones y sprites a los personajes, si bien el resto es el mismo contenido (añadiendo logros y movimiento diagonal) que la versión de GBA con la música original de Super Famicom; en VI intenta estilizarlos un poco (aunque la crítica que ha recibido por parte del público no ha sido precisamente positiva), si bien los mayores cambios han sido, además de logros, modificar los comandos de Sabin y Cyan, movimiento diagonal y la introducción de guardados rápidos y el álbum (detalle importante, pues buena parte de la carga narrativa de FFVI recae en el apartado sonoro, para el que Nobuo Uematsu estuvo trabajando dos años, el doble de lo que se suele hacer normalmente). Los textos vienen de la versión de GBA (lo que incluye el sprite de Sirena medio tapado y una escena eliminada) y la música de Super Nintendo, dado que la calidad de sonido de la GBA nunca estuvo a la par con la de SNES y la traducción original de Ted Woolsey, aún siendo bien recibida por el público en su momento, fue hecha con muy poco tiempo y hubo partes que el propio traductor no llegó a ver antes de traducir, incluso escenas donde se confunden el sexo de algunos personajes.

La nueva versión de PC de FFVII (2012, apareció en Steam en 2013) quizás era la más necesaria de las mencionadas hasta el momento, pues el port original que apareció en 1998 estuvo plagado de errores (debido a que tras publicarse la versión de Playstation muchos archivos fueron destruidos). Esta versión es un relanzamiento más que un remake, ya que los cambios más significativos son el poder guardar mediante una nube, una revisión de la banda sonora, el sistema “Character Booster” para mejorar personajes y ganar dinero y…logros. Por lo que respecta al relanzamiento de FFVIII, se limita a mejora gráfica (resolución 1920x1080 a 60Hz) y los mismos cambios que FFVII (es decir, que también tiene logros) salvo el tema de la música, que mantiene los archivos MIDI de la versión original de PC lanzada en 1999 en lugar de la versión de PSX o una remasterización.

Ahora bien, la cuestión en este artículo es si era necesario u oportuno hacerlos o, incluso, cómo lo han hecho. La clave está en la relación entre la tecnología existente en el mundo del videojuego hoy día y la capacidad narrativa que se puede explotar a través de esa tecnología. Teniendo esos dos aspectos en cuenta y el valor narrativo de cada una de las entregas de Final Fantasy, es preciso reiterar la pregunta: ¿era necesario? FFVI parece el más beneficiado con las actualizaciones (sobre todo si tenemos en cuenta que el álbum incide en la expresión narrativa a través de la música), mientras que FFVIII parece más orientado a aquellas personas que no tuvieron la oportunidad de jugarlo en su día y se niegan a recurrir a emuladores.

No obstante, en el aspecto narrativo (comprender el videojuego como forma de expresión artística audiovisual), no existe ninguna evolución, pese al paso de los años. Si lo hicieron con FFIII y FFIV para Nintendo DS, donde dieron más detalle a los personajes, se introdujeron en un entorno tridimensional y hasta fueron caracterizados con voz propia a cada uno de ellos (notable mención a la voz de Kain). Todo el avance que se hizo en los otros remakes fue en las versiones de GBA de FFV y FFVI añadiendo contenido extra que estaba en los cartuchos originales (Kaiser Dragon en el caso de FFVI). FFVII y FFVIII se han mantenido prácticamente intactos. Además, en estos casos (FFV y FFVI) la tecnología existente permitió desarrollar el planteamiento narrativo casi al completo, por lo que poco o ningún detalle se quedó fuera de la edición final. En FFVII se modificó un tanto el planteamiento inicial (se pensó en un toque algo detectivesco) y los diseños de los personajes en FFVIII (particularmente Squall y Seifer) difirieron bastante desde los bocetos hasta los que conocemos hoy día. Es preciso también tener en cuenta los recursos de Square-Enix en estos momentos: están centrados en el desarrollo de FFXV, por lo que comenzar un FFVII HD al mismo tiempo sería demasiado costoso para la compañía.

La cuestión es, si había pocas o ninguna idea nueva que pudiera ser contada a través del avance tecnológico, ¿para qué relanzar juegos con una mecánica de hace más de una década de antigüedad? La respuesta parece bien clara: aprovechar el auge de las plataformas móviles (iOS y Android) y del éxito que está siendo en estos últimos tiempos plataformas virtuales como es el caso de Steam para obtener beneficios. Explica también la filosofía tras Final Fantasy Type-0, filosofía cuya recepción ha sido muy negativa debido a la mecánica de pagar por cada personaje y que el personaje obtenido sea al azar. Todo esto no desmerece a ninguno de los juegos mencionados: FFV, con su “entrañable” dificultad (Omega y Shinryu siguen siendo unos superjefes brutales sin una buena preparación), la obra de arte que ha sido siempre y es FFVI (aunque en las nuevas versiones es más fácil preparar los personajes, cosa que ya de por sí hacía el juego un paseo), FFVII sigue siendo igual de disfrutable ahora que en 1997 y el impacto narrativo enfocado en “chicos colegiales” y la capacidad de sumergirte en el propio Squall no ha perdido ni un ápice de su efectividad. A pesar del tiempo, la edad de oro de los RPG sigue demostrando que su fama no es cuestión de nostalgia.

David Duran Centeno 

(@TheDDuran)

How to make it in América

How to make it in America (En España conocida como Buscarse la vida en America) es una serie producida para la HBO en 2010 y que tristemente fue cancelada tras su segunda temporada. En total se rodaron 16 capítulos de 25 minutos cada uno, aproximadamente.

La serie narra las vidas de Ben y Cam dos jóvenes de la gran manzana con ganas de cumplir sus sueños de lanzar su propia línea de ropa. Aprovechando que USA es el país de las oportunidades lucharan en un mundo que les dará más de un susto.

La serie está protagonizada por Bryan GreenBerg que da vida a Ben, un joven emprendedor que intenta hacerse un hueco en el mundo del textil en Nueva York. El otro protagonista es Cam al que da vida Victor Rasuk, es el mejor amigo de Ben y es la parte más cómica de la serie, proviene de una familia marcada por asuntos delictivos. Para mi este personaje es el que le da el toque de humor a la serie y me recuerda mucho a Stiles de Teen Wolf en lo que actitud se refiere. El tercer protagonista que no vais a encontrar en ningún listado de Cast, es la propia ciudad de Nueva York, siendo tanto un aliado como un antagonista más, que llevara a los protagonistas a un sin fin de historias.

Dentro de los actores secundarios destaca a la figura femenina, Rachel, interpretada por Lake Bell, un personaje que en ocasiones dan ganas de ahogar y otras de amar. Pero sin duda la cara que mas os puede sonar es la de David ''Kappo'' al que da vida Eddie Kaye Thomas,que si por el nombre no lo reconoces es el famoso Pie. Por último destacar dos papeles secundarios que enriquecen todavía más la serie como son Rene Calderon al que da vida Luis Guzman, el tío ex convicto de Cam y Domingo, interpretado por Scott Mescudi, más conocido como Kid Cudi.

Por último y lo que más me gustaría destacar es la estética y montaje de la serie que es la verdadera razón por la que recomiendo esta serie, puede ser una magnifica manera de conocer la estética más 'moderna' de NY,empezando por su intro,para mí de las mejores que he visto.

Entrada de Daniel. Si os gustan sus entradas, podéis acudir a su blog.